No. 41 Christina's World. Un clásico norteamericano.

Título: Christina’s World

Autor: Andrew Wyeth

Nacionalidad: norteamericano

Dimensiones: 81.9cm x 121.3cm

Sede: Museum of Modern Art, New York

Queridos amigos:

Andrew Wyeth (nacido en Pennsylvania, 1917) es uno de los pintores norteamericanos más destacados de la segunda mitad del siglo XX. Si bien murió en 2009, lo cierto es que su obra sobrevivirá.

De 1948 tenemos el que quizá sea uno de los cuadros norteamericanos más célebres y conocidos: Christina's World, o El Mundo de Cristina (¡gracias a Dios no se trata del Show de Cristina!).

¿Cuál es el mundo de Christina? ¿Quién es Christina? Porque sin duda esta imagen nos evoca al Mago de Oz. Ustedes saben, el principio de la película, en la granja, con la angelical protagonista a punto de ser transportada al reino de la magia y de la fantasía.

Judy Garland en el papel de Dorothy, del Mago de Oz

Andrew Wyeth era un consumado realista, y su fuente de inspiración era la fotografía. Por esta razón sus cuadros, especialmente este, son de un magnífico realismo. Al ver a Christina, uno no solamente observa lo que parece casi una fotografía, sino que uno tiene la sensación de transportarse y sumergirse en ese mundo de profunda melancolía y soledad. La distancia entre la mujer y la casa es un espacio infranqueable. El observador de hecho es capaz de experimentar el tremendo aislamiento, la desconcertante desolación. ¡Es casi un paisaje polar!  Parece que Christina presencia el ocaso de un mundo idílico, aquel mundo hoy perdido que sucumbió ante la industrialización.

Andrew Wyeth

Wyeth tenía una casa veraniega en Maine, y sus vecinos eran los Olson. Christina Olson había padecido polio en la niñez, y desde entonces sus extremidades inferiores dejaron de funcionar. Nuestro pintor, según él mismo relata, la observó desde la ventana. Christina Olson se arrastraba lentamente por el pasto. Wyeth se conmovió ante la imagen y así fue como surgió el cuadro en su mente. El mundo de Christina es un mundo aislado y solitario.

Nighthawks, de Hopper

Es la misma sensación que experimento con el Nighthawks de Hopper (ver número 22, en los archivo de julio de 2010, en este Blog): a pesar de estos tiempos de industrialización, masificación y globalización, en los que estamos todos conectados, en los que vivimos hacinados, la soledad del individuo es brutal. Es como si fuéramos islas desiertas en medio del océano.

Ojalá todos disfruten esta bellísima obra. Y si van a New York, no dejen de admirarla en el Museo de Arte Moderno.

Reciban todos un fuerte abrazo.

Venus ReX

No. 40 Diego Rivera: Desnudo con Alcatraces. La flor como sublimación de los genitales.

Título: Desnudo con Alcatraces

Autor: Diego Rivera

País de origen: México

Sede del cuadro: Colección Privada

Técnica: Óleo sobre Masonite

Estimados amigos:

A lo largo de casi cuarenta entregas no había incluido a ningún artista mexicano, lo cual a todas luces es reprochable. Ahora tengo el placer de compartir con ustedes un bellísimo cuadro de Diego Rivera. Y no tanto porque haya que cumplir una cuota de nacionalidades, sino porque Diego es por derecho propio un pintor excelso, y posiblemente el mexicano más universal.

Todos sabemos la historia: sus años juveniles en París, la influencia del cubismo, los viajes a Italia en donde aprendió las técnicas de los frescos -las cuales desarrollaría con enorme genio en sus fabulosos murales-, las andanzas políticas, Frida, Trosky, Coyoacán, y tantas cosas más. Pero si hay algo que caracteriza a Diego más que ninguna otra cosa, es, a mi juicio, su entrega de cuerpo y alma a la misión de retratar la dignidad del pueblo mexicano; o, dicho en otras palabras, verter, para nuestro regocijo, la dignidad de nuestro pueblo a través de una forma estética. Muchos y célebres trabajos confirmarían esta afirmación.

Diego y Frida

De 1944 llega hasta nosotros esta obra de arte: Desnudo con Alcatraces. Probablemente el cuadro más erótico de Diego. ¡Y cómo no iba a ser así, si la hermosa mujer se funde en abrazo imperecedero con todas esas flores! Toda flor es un órgano sexual (aunque en estricto sentido no es posible hablar de sexo en los vegetales; el reino vegetal no es un reino sexuado), o por lo menos es el símbolo de un órgano sexual: genitales sublimados, si se prefiere. Con esto en mente, ¿quién va a negar que el contenido erótico de esta obra llega a niveles casi imposibles de soportar? El gran Diego se revela como un maestro del erotismo. Sin lugar a dudas, uno de los máximos pintores que ha dado nuestro país.

Ojalá todos disfruten este desnudo, pero especialmente los alcatraces.

VENUS ReX

No. 39 Salomé. Erotismo homicida. Nunca digas "pídeme lo que quieras"

Título: Salomé

Autor: Franz von Stuck

Nacionalidad: Alemán

Fecha de composición: 1906

Dimensiones: 115cm x 62cm

Sede: Städtische Galerie im Lenbachhaus, München

Técnica: Óleo sobre Tela

Salomé, por Franz von Stuck

Queridos amigos:

Oscar Wilde

1892 no fue un buen año para el gran Oscar Wilde, pues habiendo finalizado "Salomé", magistral pieza teatral, se encontró con la novedad que no sólo en Inglaterra, sino en el mundo de habla inglesa, él y su obra estaban bajo censura. A la condena de Salomé en Inglaterra por parte de Lord Chamberlain pronto se sumaron la del káiser Guillermo II en Alemania, e incluso la del banquero y celebérrimo magnate norteamericano J.P. Morgan, en los Estados Unidos.

A pesar de la censura de Wilde en Austria, Richard Strauss decidió hacer su propio "Salomé", siguiendo la obra del artista inglés. El resultado fue magnífico: una de las mejores óperas del siglo XX. Por primera vez en la historia de la música, fue necesario que la protagonista principal hiciera un desnudo en la voluptuosa danza de los siete velos, y así se acabó el mito de que las sopranos deben ser gordas. (En las representaciones de hoy, el desnudo lo hace una integrante del ballet; muchas divas siguen con algún problema de sobrepeso). 

Escena de Salomé, Teatro Regio di Torino

Richard Strauss

En 1906, impresionado por la mancuerna Wilde-Strauss (colaboración artística a distancia, porque estos dos grandes genios nunca trabaron entre sí palabra), Franz von Stuck pintó Salomé. En este lienzo, el pintor alemán nos muestra a la demoníaca hijastra de Herodes, poco después de haber terminado su danza, recibir en una bandeja la cabeza de Juan el Bautista. ¿Quién podrá negar la voluptuosidad siniestra de este cuadro y de esta historia?

Así que ya saben, queridos amigos: por grande que sea nuestro entusiasmo o nuestra excitación, nuca hemos de decir a nadie "pídeme lo que quieras".

Por cierto, no se olviden de visitar el Café Barcelona, bar de tapas que abrí en La Condesa.

Reciban todos un abrazo.

VenuS ReX

No. 38 Un icono gay de la belleza. Sargent y el dominio de la anatomía.

Título: Nude Study of Thomas McKeller

Autor: John Singer Sargent

Técnica: óleo sobre tela

Sede: Boston Museum of Fine Arts

John Singer Sargent (1856-1925) fue uno de los pintores norteamericanos más famosos de su tiempo. Y no en los Estados Unidos -nadie es profeta en su propia tierra-, sino en Inglaterra, donde se convirtió en el retratista más famoso de la era eduardina.

Alrededor de 1920, nuestro artista creó esta maravilla del desnudo. En este lienzo Sargent demuestra un profundo dominio de la anatomía humana y un manejo perfecto de la óptica. El modelo del cuadro es tan arrollador (se trata del afro-americano Thomas McKeller) que parece exigir su derecho a romper las dos dimensiones que lo congelan, y así penetrar en la realidad. El pecho, centro dramático y pictórico de la composición, está a punto de explotar en tal intento. El formidable cuello del modelo denota fuerza y belleza inusitadas. Y qué decir de las piernas. Me pregunto, dado el notable contenido erótico de este y otros desnudos masculinos de Sargent, si nuestro pintor era gay. Parece que sí. Por lo menos este cuadro es un icono de la "estética gay" -no me refiero a una peluquería gay, sino a la estética como esa disciplina que tiene por objeto la belleza; "estética gay" querría dicir algo así como "la forma en que los gays entienden y conciben la belleza"-. (Por cierto, debo decir que no soy gay, pero sí soy gay-friendly; los respeto, como a cualquier ser humano, y, desde luego, no los discrimino. Al contrario, entre mis amigos gay figuran algunas de las mejores personas que conozco.)

En verdad el cuadro entero reclama su derecho a ser real. El hombre que en él aparece es como el prisionero liberado de la Caverna: esclavo que ha roto las cadenas; obra que rompe los límites de la plasticidad. Libertad y exigencia de ser puestas sobre un lienzo.

En fin, un cuadro tan bello como indescriptible. Ojalá todos ustedes lo disfruten.

Reciban un abrazo grande.

VENUS rEx

No. 37 Lilith: la lujuria encarnada

Título: Lilith (1892)

Autor: John Collier (inglés)

Técnica: Óleo sobre tela

Sede: Southport Atkinson Art Gallery, England

 
¿Quién es Lilith? Una tradición cabalística -explican Chevalier y Gheerbrant en su célebre Diccionario de Símbolos- señala a Lilith como la mujer creada antes de Eva, y no a partir de las costillas de Adán, sino de la tierra misma. Pero la mujer blasfema e inicia una horrible carrera demoníaca. Así, con el tiempo Lilith se convierte en el símbolo de lo prohibido, de los placeres carnales ilegítimos, de la traición conyugal. Su belleza es irresistible, su poder funesto: atrayendo a los hombres a su lecho impide que las almas alcancen el paraíso. Por eso Dios la aborrece y la margina: es su enemiga. Lilith es el Maligno con rostro de mujer. Como Kundry, vive alejada de la civilización, en el desierto y en las ruinas (Is 34, 14), esperando la ocasión de perder a un santo ermitaño.

El lienzo de Collier (recordemos Lady Godiva) nos presenta la horrible visión. Y he aquí la paradoja: horrible y a la vez bella. El espléndido cuerpo de la mujer está enroscado por el terrible pitón. Estamos frente al pecado de la lujuria. Grave peligro, pues detrás del rostro de ángel y de las formas corpóreas quasi religiosas se esconde el Maligno.

Reciban todos un cordial saludo.
Venus ReX
about.me/venusrex 

No. 36 Pandora. ¿Por qué diablos tuviste que abrir la caja?

Título: Pandora

Autor: John William Waterhouse

Dimensiones: 91cm x 152cm

Técnica: Óleo sobre tela

Estimados Amigos:

Recientemente leí, en una publicación española especializada en Historia, que el origen de la palabra inglesa woman (mujer) es la unión de dos voces: por un lado "woe", que significa pena, pesar, tristeza, aflicción, sufrimiento; y, por otro lado, "man", que, como todos sabemos, significa hombre. Así las cosas, woman vendría a significar algo así como "la aflicción o pena del hombre". Desde luego, aunque el inglés es un idioma neutro (en el sentido de que es "asexuado", o carente de género -así, chair, table, violin, car, watch, book, etcétera, no son ni masculinos ni femeninos, como sucede en el español, portugués, italiano, francés, etcétera-), el origen de esta voz nos revela un machismo, y, por tanto, un matiz sexista. Se los comento a propósito del cuadro de esta semana. El mito de Pandora se parece al mito de Eva, porque en ambos la mujer vino a joder (perdonen la expresión) la situación. Veamos.

Después de la osadía de Prometeo -cuenta Hesíodo en Los Trabajos y los Días-, era necesario reestablecer el equilibrio de la justicia entre los mortales. Zeus colérico exclamó:

"¡Japetónida (es decir, Prometeo) conocedor de los designios sobre todas las cosas!

Te alegras de que me has robado el fuego y has conseguido engañar mi inteligencia,

enorme desgracia para ti en particular y para los hombres futuros.

Yo a cambio del fuego les daré un mal con el que todos se alegren de corazón

acariciando con cariño su propia desgracia."

Ya sabemos cuál fue el horrible castigo de Prometeo. Para los mortales el padre celestial tenía preparado algo peor. Ordenó a Hefesto modelar de la tierra una doncella a la que Atenea enseñó toda clase de útiles labores, Afrodita regaló irresistible sensualidad y Hermes dotó de cínica mente y carácter voluble. Así pues, queridos amigos, Pandora fue la primera mujer.

Como la Eva bíblica, Pandora estaba destinada a desatar el mal en el mundo. De acuerdo con la tradición -el mismo Hesíodo lo comenta-, los hombres vivían libres de todo mal, no tenían que trabajar para subsistir y no existían las enfermedades; una especie de Edén alla greca. No obstante, los hombres (simbolizados por Prometeo) desafiaron a Zeus y pensaron que podían dominar el fuego de la ciencia. Así las cosas, era necesario un castigo. Pandora, en lugar de comer manzanas, abrió una misteriosa caja que contenía, por obra del Crónida, todos los males. Desde entonces los hombres pagan con sudor y penas su osadía.

Nuestro viejo conocido inglés, John William Waterhouse, nos regala con su inigualable arte el momento preciso en que Pandora liberó todos los males al mundo. La Pandora de Waterhouse es más hermosa de lo que el dios tullido pudo haber hecho, ¿no creen? Lo mismo podríamos decir de la sensualidad regalada por Afrodita en contraposición a la sensualidad que nos brinda nuestro pintor. Sin embargo, no veo la mente cínica que supuestamente puso Hermes. Por el contrario, Waterhouse nos muestra una doncella cuya inocencia es irresistible. Tal vez en ello radique el terrible peligro.

En fin, disfruten esta bellísima obra de la corriente pre-rafaelista.

Reciban todos un abrazo.

VeNuS rEx

No. 35 Perfección en el desnudo masculino. Héctor, de J.L. David

Estimados amigos:

Decía J.J. Rousseau, refiriéndose a la obra de nuestro ya viejo conocido Jaques Louis David (1748-1825): "tiene algo sublime que entusiasma". A decir verdad, ignoro si Rousseau tuvo la suerte de observar el Estudio de Héctor. Nosotros seremos mucho más afortunados.

A propósito del tema, recientemente he vuelto a leer la Ilíada, sólo que en esta ocasión me ha parecido que la figura de Héctor Priámida ha destacado más que la de ningún otro héroe. 

Brad Pitt, como Aquiles

El belicoso Aquiles, tormento de hombres, hijo de la diosa Tetis, siempre reputado como el personaje principal del poema, me ha parecido -no sé cómo explicarlo- hasta cierto punto desmesurado y grotesco respecto a la figura de Héctor. ¿Quién puede compararse en nobleza y gallardía con el mortal príncipe? Ni los tremendos Ayantes, ni el pendenciero Agamenón; ni siquiera el sagaz Odiseo o el terrible Eneas; ni el hermoso Patroclo ni el monstruoso Diomedes. Mucho menos el impúdico y frívolo Alejandro (Paris). 

Orlando Bloom, como Paris.

Cuando todos estos héroes buscan gloria y botín, a Héctor le preocupa el destino de los niños y las mujeres de Troya. Mientras los héroes anhelan la mujer más bella para llevarla al lecho, Héctor desea regresar a su morada para unirse con su fiel esposa y abrazar al pequeño vástago. La figura de Héctor es el paradigma de todo lo noble y valioso que hay en los guerreros. El sentimiento de tristeza ante su muerte realmente deja al lector sobrecogido. Cómo Aquiles profana el cadáver es cuestión que muy poca gente podría soportar. Y, al final del poema, las súplicas de Príamo para rescatar el cadáver, el llanto de Hécuba, los sollozos de Andrómaca y el profundo pesar de Helena conmoverían al más fuerte (los discursos finales de estas tres mujeres serían suficientes para recompensar la paciencia del lector de la Ilíada).

El Estudio de David -¡ni siquiera una obra completa y definitiva, sino un simple estudio!-, según yo creo, recobra y reivindica la figura de Héctor como la más noble y bella de la Ilíada. No hay más que verla para empezar a sentir una profunda simpatía por el héroe. Pocas veces veremos un desnudo masculino tan perfecto.

Ojalá lo disfruten.

VenuS ReX

No. 34 Erotismo irreverente: María Magdalena, por Lefebvre

Título: María Magdalena en la cueva

Autor: Jules Lefebvre (FRA)

Fecha de composición: 1876

Técnica: Óleo sobre Tela

Sede: Museo Hermitage, San Petesburgo

Jules Lefebvre es un pintor francés del siglo XIX que ha caído en el olvido. La verdad es que no encuentro una razón suficiente que justifique este olvido. Por el contrario, las pocas obras que he visto de él me parecen muy bien logradas, llenas de vida y en ocasiones de un intenso erotismo. El dominio de la figura humana es más que evidente; magistral, me atrevería a decir.

La pintura que ahora les ofrezco supuso un escándalo mayúsculo en la sociedad conservadora en Europa, y desde entonces ha sido relegada, menospreciada y censurada. Independientemente de lo irreverente que pueda ser María Magdalena en la Cueva -desde luego entiendo por qué la obra podría resultar ofensiva-, si la consideramos desde el punto de vista pictórico y nos circunscribimos al deleite estético que nos proporciona, no habría razón para privarnos de ver semejante pieza. (Además, deberíamos asumir que esta María de Magdala todavía está poseída por los siete demonios -¡no uno ni dos, sino siete terribles y lujuriosos demonios!- y que aún no ha entregado su vida a Cristo; me parece que tampoco el pintor ha querido ser irreverente). Desde el punto de vista estrictamente artístico, la obra de Lefebvre es encantadora, sublime y habla por sí misma. La belleza de la mujer desnuda que aparece en el lienzo difícilmente pude encontrar rival en la pintura romántica europea.

Así pues, queridos amigos, espero que encuentren inspiración y regocijo en este cuadro. Créanme que la experiencia estética que proporciona es indescriptible.

Reciban todos un abrazo.

VENUS ReX

No. 33 Dios como arquitecto. La filosofía en la pintura. Blake, uomo universale.

Título: The Ancient of Days

Autor: William Blake

Sede: British Museum, London

Dimensiones: 23.3cm x 16.8cm

Queridos amigos:

Blake es uno de los grandes artistas británicos. No sólo un excelso pintor, sino también un sublime poeta, Blake merece ser calificado como Uomo Universale.

Dios como Arquitecto (en realidad el título del cuadro es The Ancient of Days, que es una forma de decir "Dios"), pintado en 1794, nos revela el credo estético del genio: "El mundo espiritual goza de supremacía frente al mundo material. El verdadero artista es, pues, profeta, because he or she is given divine insight". Me cuesta trabajo encontrar una adecuada traducción para esta última frase. Dejémoslo en los siguientes términos: al artista le ha sido conferido el insight divino. (No sé, pero esta terminología me recuerda al gran filósofo canadiense Lonergan.)

Máscara mortuoria de Blake

En fin, Dios como Arquitecto más que apuntar hacia un demiurgo, ilustra, según veo las cosas, la quinta vía de demostración de Dios de Tomás de Aquino: el universo entero obedece a un orden, y todo orden supone una inteligencia ordenadora (a pesar de lo que digan las teorías del caos). Desde este punto de vista, Dios no es sólo Creador del Universo, sino también el Supremo Ordenador. Todos los seres estamos sujetos a ese orden, querámoslo o no, y aquel que logra establecer el vínculo con la sinfonía cósmica y coopera en el Plan Providencial, sin duda se aproxima a la Divinidad. Me parece que esta es la idea en torno a este majestuoso cuadro. (Claro que Blake, como buen inglés no era tomista, pero por lo menos me consuela saber que tampoco era humiano, de lo contrario jamás hubiera pintado un cuadro como el que ahora les envío). Ojalá lo disfruten.

Blake, por Phillips

Cada vez más gente se une a estas tertulias estéticas. Recientemente se han incorporado queridos amigos a quienes no veía desde hace algún tiempo. A todos ellos les doy la más cordial bienvenida. A todos los demás les agradezco su paciencia y sus amables atenciones y comentarios.

Hasta la próxima.

VENUS ReX

No. 32 C.D. Friedrich: el verdadero sentido del romanticismo

Título:

Caminante sobre el mar de niebla (Der Wanderer über dem Nebelmeer)

Autor: Caspar David Friedrich

Técnica: Óleo sobre tela

Dimensiones: 98.4cm x 74.8cm

Sede: Kuntshalle, Hamburgo

Queridos amigos:

En las primeras décadas del siglo XIX, Alemania pudo ver a algunos de sus ilustres hijos alcanzar inmortalidad: Goethe, Beethoven, Hegel, Novalis y Friedrich, por mencionar algunos.

Beethoven, por Stieler

Novalis, por Gareis

Friedrich, por Kügelgen

Goethe, por Stieler

Los tiempos en que un Dios providente tenía  bajo su potestad el destino de la humanidad y la historia del mundo, habían ya pasado; el soberbio sueño de la razón -la ilustración del XVIII- no correría mejor suerte. Y por eso surgió el romanticismo: el hombre se encontró sólo frente al mundo, indefenso ante los poderes de la naturaleza, insignificante frente al destino. Pero el hombre podía romper su condición mundana y convertirse en héroe, trascender las fronteras, volar y llegar a las cumbres. "Sobre todas las cumbres está la paz", dijo alguna vez Goethe.

Newton, de Blake

El caminante sobre el mar de niebla (1818) es una de las obras más representativas del romanticismo alemán. Friedrich pintó al hombre que llega a la cumbre, al hombre que se da cuenta de su pequeñez, y al mismo tiempo se alza como un gigante que contempla el cosmos. No es el Newton de un Blake, cuyo compás y trazos revelan los secretos de la naturaleza y de Dios y le convierten en dominador, sino la visión poética del hombre que ha llegado a la cúspide no para dominar, sino para ser partícipe del éxtasis universal; la visión poética del hombre que ha llegado a la cúspide para hacerse Uno con el Absoluto. Ahí radica la heroicidad del hombre romántico (donde "romántico" nada tiene que ver con Los Panchos, Chamín Correa o los Romances de Luis Miguel, with all due respect). Y en el ascenso tendrá que luchar con los dragones que gobiernan las ciudades y esclavizan a los hombres.

Quienes son capaces de conmoverse con esta visión, tal vez sean capaces de romper las cadenas de la banalidad y proyectarse hacia las cumbres.

Ojalá se regocijen con esta sublime obra.

Un abrazo a todos.

Venus ReX

No. 31 La Pietá, de Bellini.

Estimados amigos:

Giovanni Bellini (1434-1516) es uno de los pintores venecianos más famosos e interesantes. Venecia entró a las "grandes ligas" de ciudades renacentistas en parte gracias a la labor y la fama de este pintor. Se ha dicho de él que es el padre de la pintura veneciana. Miembro de una familia de artistas (su padre fue Jacopo Bellini, su hermano fue Gentile Bellini, y su cuñado ni más ni menos que Andrea Mantegna, ¡wow!), Giovanni estableció un taller donde aprendieron el oficio Tiziano y Giorgione, futuras glorias de la pintura veneciana. Con estas credenciales, cómo no iba a ser considerado padre de la pintura en Venecia.

La Pietá que ahora les presento, creada en 1465, es mi cuadro favorito de Bellini. Es una de las obras más conmovedoras que uno puede ver. En verdad ilustra con inusitada belleza el corazón de nuestra fe.

Sin duda las bellas artes pueden prestar inmensos servicios a la religión, y por sí mismas pueden significar una apertura hacia el Absoluto.

Ojalá disfruten esta maravillosa obra.

Reciban todos un abrazo.

VENUS

No. 30 Un clásico de clásicos: La Maja Desnuda, de Goya.

Título: La Maja Desnuda

Autor: Francisco de Goya y Lucientes

Sede: Museo Del Prado, Madrid

Técnica: óleo sobre tela

Dimensiones: 97 x 190 cm

Estimados Amigos:

Las Majas de Goya, una desnuda y otra vestida, se encuentran entre las obras más conocidas y célebres del pintor español. Datan de principios del XIX. De acuerdo con la leyenda, la modelo es ni más ni menos que la Duquesa de Alba, una de las grandes de España, quien por entonces sería amante del maestro. Al parecer todo esto no es más que fantasía. Además, el hecho de que esta obra haya pertenecido al odiado Godoy, por un lado, y que el cuadro haya sido causa de una denuncia ante la Inquisición, por otro lado, han contribuido a acrecentar la dosis de misterio.

Lo que sí me queda muy claro es el alto contenido erótico del cuadro. Si no me equivoco, la pintura como bella arte nunca antes había pintado el vello del pubis (desde luego muchos grabados e ilustraciones anteriores, más bien vulgares, sí lo hicieron, pero me refiero a la pintura como bella arte). Esto fue más de lo que una conservadora España era capaz de resistir. Por eso el cuadro estuvo oculto en bodegas y almacenes, durante todo el siglo XIX. Fue hasta pasado el año 1900 (todavía hay quienes piensan que esta obra es pornográfica!!) que La Maja Desnuda fue puesta en el Del Prado, para deleite de todo el mundo.

Ojalá disfruten esta obra maestra.

Reciban todos un abrazo.

No. 29 Vermeer. Perfección holandesa: La joven de la perla

Título: Muchacha con arete de perla

Autor: Johannes Vermeer

Técnica: óleo sobre tela

Creación: 1665

Dimensiones: 44.5cm x 39cm

Residencia: Museo Mauritshuis, La Haya, Holanda

Este bellísimo cuadro que lleva por título La Joven del Arete de Perla, pertenece al pincel de Jan Vermeer y fue pintado poco antes de 1670. Entre las muchas obras pintadas en Holanda durante el siglo XVII, los poco más de treinta cuadros de Vermeer destacan como creaciones maestras; son verdaderos tratados de luz, composiciones tan artísticas como científicas. Son capaces de hacer palidecer tanto a un amante de las artes como a un físico.

De esta joven nada se sabe. Su mirada misteriosa y su sonrisa enigmática nos recuerdan un poco a la Monalisa (no en vano algunos han llamado a este cuadro La Monalisa del Norte). 



En 2001 la editorial Alfaguara publicó en español la novela La Joven de la Perla, de la escritora norteamericana Tracy Chevalier. En esta obra literaria la autora plantea que la chica que aparece en el cuadro fue una de las sirvientas de los Vermeer y que entre el maestro y ella hubo una especie de romance que nunca llegó a consumarse. La novela es muy interesante porque nos muestra la forma en que pintaba el maestro, el tiempo que se tomaba en cada cuadro, la obsesión por los detalles, la cámara oscura, la perfección del color. Recomiendo la novela por estas razones, aunque en lo demás debo decir que se trata de una especie de Cenicienta a la holandesa. También hay una versión cinematográfica de 2004 basada en la novela, dirigida por Peter Webber y protagonizada por Scarlett Johansson.

Scarlett Johansson interpreta el papel principal del film Girl with a pearl earring

La Joven de la Perla sin duda es uno de lo cuadros más bellos de Vermeer. Cada vez que la veo no puedo contener la emoción. La experiencia estética que brinda es muy intensa. Ojalá la disfruten.

VEnus ReX

No. 28 La Escuela de Atenas

Queridos Amigos:

La Escuela de Atenas, obra que data de 1511, representa la famosa Academia de Platón. El fresco fue creado por Rafael y se encuentra en la Stanza della Segnatura, en los Museos Vaticanos.

Leonardo como Platón

Podemos observar, en el centro de la composición, a dos hombres, uno ya anciano, Platón, el otro más joven, Aristóteles. Platón lleva en su mano izquierda ni más ni menos que El Timeo, y con la derecha apunta hacia el cielo, hacia el mundo de las ideas, patria del alma, verdadera realidad. Aristóteles lleva un libro de Ética (podría asegurar que de sus tres éticas, la que porta es la de Nicómaco) y con la otra mano apunta hacia el suelo, hacia este mundo, hacia la realidad. La postura de Platón representa, pues, su metafísica de ideas; la de Aristóteles encarna su realismo, su hilemorfismo. Quién de los dos tenía razón es algo que no me atrevo a decir, a pesar de que yo mismo me considero platónico.

Miguel Ángel como Heráclito

A la derecha de Platón, digamos a unos dos metros, si observan con atención encontrarán a Sócrates. Viste una toga verde y conversa con donceles. En primer plano, justo frente a Platón, apoyado en un bloque de piedra, vemos ni más ni menos que al gran Migue Ángel haciendo el papel de Heráclito.

En la esquina derecha, hasta abajo, hay un grupo de cuatro hombres. Dos de ellos sostienen globos terráqueos y uno más viste túnica y gorro blancos. Pues bien, el cuarto de esos hombres es el propio Rafael que se autorretrata para la posteridad.

Rafael se autorretrata (primero a la derecha)

La obra emula la disposición de la cena: a la derecha de Platón (¡cuyo rostro es el del mismísimo Leonardo da Vinci!) hay cinco personajes; a la derecha de Aristóteles hay seis, lo que nos da un total de once. Si contamos a los dos protagonistas principales obtendremos el número trece: Cristo y los doce apóstoles, vistos todos de frente. En fin, el fresco está lleno de personajes, algunos mitológicos, otros históricos: Minerva, Apolo, Zoroastro, Euclides, Pitágoras, etcétera.

Lo más sorprendente de todo, desde mi punto de vista, es la perspectiva de la composición. Créanme si les digo que son muy escasas las obras que podrían alcanzar la perfección de perspectiva que Rafael nos regaló en su Escuela de Atenas. El moderno concepto 3D es una nimiedad comparado con Rafael.

Si alguien tuviera la idea hoy en día de hacer un cuadro filosófico, no me imagino la Escuela de Frankfurt o la Escuela de Viena; ¡mucho menos la Escuela de Navarra! Imaginen una composición pictórica en la que Wittgenstein está a punto de cortarse las venas, Kierkegaard está a punto de arrojarse al vacío o Jean Paul Sartre está a punto de vomitar debido a la horrible náusea. Tal vez Heidegger saldría disfrazado de héroe viviendo su existencia auténtica. O quizá Simone de Beauvoir aparecería sodomizando al pobre Jean Paul hasta dejarlo bizco. Camus, sin duda, asesinaría a un árabe. Ni Maritain ni Gilson aparecerían en el cuadro, pues la idea les hubiera resultado pecaminosa. Se me dirá: ¿qué hacen Sartre o Kierkegaard en la Escuela de Viena, o de Frankfurt? Yo diría: ¿Qué hacen Heráclito o Zoroastro en la Escuela de Platón? En fin, aquí ni el ubi ni el quando tienen relevancia. Mejor nos quedamos con Rafael.

Wittgenstein

Sartre

Camus

Reciban todos un fuerte abrazo.

VReX